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Diploma×KYOTO'18に参加して考えていること

先週末はDiploma×KYOTO'18に参加した。
176案の中から最優秀を決める審査員としてである。会期は三日間あり、一日目が建築家の審査員、二日目は建築家以外の視点を盛り込んだ審査員、三日目が過去のDiplomaの参加者が審査員という座組で、私は一日目に招待され、千葉学審査員長はじめ、豊田啓介氏、周防貴之氏と共に参加した。審査基準を多角的に用意するという試みである。

まず午前中の二時間で176案から10案を選ばなくてはならない。一案平均30-40秒とのことで、私はとにかく全体を見ようということで会場を5周し、176→50→20→15→10と提案を絞っていった。

私が推した10案は、ID 012、029、058、059、063、070、101、105、131、150の10案
次点にID 015、039、053、076、096、103、137、169、170、175、176の11案

昼前の20分で、審査員が集合し、各自の票を合算、そこで8作品を選出した。2票以上獲得した作品が11案ということで、そこから3案を落とす作業だった。カテゴリーとして市街地系、スラム系、建築物勝負系、空間系、などいくつか相対化の軸を設け、重複したカテゴリーの中で一つを落とすというような、議論の展開を考慮した判断が共有された。

そしてそこから公開で審査会が始まり、8作品毎にプレゼンと質疑を繰り返し、中間投票で5案、最終投票で1-3位を決めるという審査過程である。

とにかくスピーディに決めることが求められたということが率直な感想だ。

結果的に一等は北千住駅前に低密度なインキュベーション施設を提案したID105江口案、二等は瀬戸内の島の石切場を博物館としたID169西辻案、三等は奈良のブドウ畑にブドウ園付き集合住宅を設計したID029越智案となった。
一等は北千住の創造的な地域住民の空間への表れを転写したアプローチと低密度な空間性の可能性の提示、二等はもともとそこにある石を動かすだけで石のための空間を提案する構想力と土着性
三等は建築とプログラムの新しい掛け合わせと空間への転換
といったトピックで評価された。

スラム系、まちづくり系、墓地系が多い、というようなカテゴリーの話も印象としては確かにあるが、皆どこか、自分のカテゴリーを意識し過ぎて、ある種の割り切りをしてしまっているように、今思えば感じる。しかし、そうしたカテゴリーがなければ、議論がスピーディに展開できないという要素ももちろんあるだろうから、一概に否定はできまい。何より自分もそのカテゴリーの中で議論を終始してしまったように反省している。

その中で大きな議題になったのが、設計者の意図をどこまで排除できるかというものだ。ルドルフスキーによる"建築家なしの建築"、青木淳による"原っぱ"を持ち出すまでもなくモダニズム以降の建築家がずっと抱えてきた問いである。しかし、その問いすらも一つのテーマとして割り切られたような印象を持った。

その割り切り(自分のカテゴリー以外の可能性を意識的に捨てること)自体がどこか寂しさを感じさせ、会場全体の運営側の熱量や緊張感とのギャップがむしろ激しく目立っていた。

Diploma×KYOTOの大きな特徴は、出展者がそのまま運営スタッフを兼ねるということだ。從ってスタッフは176名である。パッと見ただけで例えばゲスト審査員には2名スタッフが配置されていたし、審査員の後ろでは30名弱のスタッフが当日の議論をすぐさま文字起こししていた。統制された(ように見える)その光景は異様だった。

だから自分は最後の講評で、「作品一つ一つよりも運営側の熱量が印象深く感じられた」と話した。

二次会以降、話した学生のほぼすべてに、どのようなモチベーションで参加しているのか、あの運営にかけるエネルギーはどこから来るのかと聞いた。

・出展することで外部の評価が得られる
・違う教育環境の価値に触れられる
・出展するためには運営に入らないといけないので仕方なく参加している
・先輩から引き継がなければいけない部分もある

というような答えが返ってきた。

僕はシンプルに疑問だった。なぜそこまでできるのか。176案あって、三日間で講評されるのは30案である。残りの146人は、悔しい思いをしながら運営に回るのだ。そのような事実を考慮しても尚、学生の皆は緊張感を持って運営していた。凄い労力だ。

もちろん卒業設計に建築人生の全部を賭けて取り組むことは代え難いし、とても良いことだと思う。
仮にゴールに雑誌に載る建築家しか描けないとしても、良いことだ。しかし、かけがえのない学生時代の最後の時間を、半ば強制的に参加して運営に回ることに費やしていいものか。僕には甚だ疑問だ。建築家の意見を聞きたければメールしたり、SNSで聞けばいいし、事務所に突撃したって多くの建築家は必ず答えてくれると思う。卒業設計展に参加することの価値はどこにあるのか、参加者一人一人が本気で考えるべきだと思う。仮に建築家になりたいとして、建築家になる前に消費されて削られるよと思う。しかも、建築家にならなくたって別にいいわけだし、建築家になるかどうかは自分で決められる部分もあるし、自分で決められない部分もある。自分のかけがえのない時間をどこに費やすのか、相対化した上で決めるのであればもちろん参加した方が良い。

少なくともDiploma KYOTO一つとっても、そこには幾つもの疑うべき論点があると僕には映った。卒業設計展に参加した方がいいのか(参加せずに海外旅行に行くこともできる)、参加するとして枠組みはスポンサーを前提にした枠組みでいいのか(スポンサーをつけないなら、膨大な予算を扱うための過去のノウハウに頼らなくて良い)、出展者は運営スタッフを兼ねるべきなのか(兼ねなくてもいいのであれば170名を超えるすべてのスタッフを配置するコストが減る)、書籍は出版されるべきなのか(出版しないとしたら膨大な文字起こしは必要なくなる)、諸先輩から何を引き継ぎ何を引き継がないべきか、果たして続けるべきなのか。代表の石井くん始め、幹部の京都大学の三人には伝えた。これだけ大きなイベントだ。代表にも代表の考えやジレンマがあって然るべきだし、しっかりと意見をぶつけてくれた。代表としての彼を僕は信頼する。

一つ一つ丁寧に疑ってそれでも選ぶ(価値に値する)ということが、誠実な判断というものだ。設計においても設計以外においても、僕はとても大切なことだと思う。

参加した一人でも多くの学生が、自分の経験、自分の判断を、肯定することを願っている。事実、投入された熱量は素晴らしいものだった。

建築は瞬時に割り切れるような概念ではない。
長く続き、そして大きい。

木村松本の建築から考える、設計判断に宿る自律性

house A / shop Bについて-判断を自律させる建築家-


△house A / shop B西側立面を臨む、バシリカのファサードを半分に割ったようなファサード　※撮影筆者　

京都の建築設計事務所　木村松本が設計した上賀茂の工房兼ショップ兼カフェ兼住居"House A / Shop B"を訪問した。敷地は、上賀茂神社の近く、すぐ近くを賀茂川が流れ、小さな工場や商店や住宅が列ぶ南北を走る道沿いに、間口約4.5m、奥行き15.5mほどの平面形。そこに南下がりの片流れのヴォリュームが建てられている。
南側にはマンションが、北側には古い木造の平屋が、東側にも隣地建物が迫り、西側に道路が面している。車通りは多い。
木村松本はここに、住宅と、金物を扱う工房、ショップ、カフェという機能を求められた。地上階にショップとカフェと工房を、上階に住居を持ってきたのは素直な機能配置といえるが、地上階の平面配置に関していえば捻りがある。通常は道路に開きやすいカフェを手前に、籠りやすい工房を奥に持ってくるところを、逆にしたのだ。工房を道沿いに出し、奥にカフェを押し込めることで、まずは街並に馴染む表情をつくり出した。道から向かって左の2/3が工房のためのスチールサッシ、右の1/3が住居兼カフェの玄関に当てられた。
平面寸法の基準となっているのは850mmと1275mm。尺モジュールよりも少し小さなこの寸法のピッチで柱が等間隔に配されている。ファサードの割付けをそのまま敷地長手方向に延長させて平面を長手方向に二分し2550mmと1275mmの幅に分けられた。1/3が側廊で、2/3が機能/滞在空間として、手前から工房、事務室、ショップ、カフェ、最も奥にキッチンという順で配されている。側廊の天高は2400mm（梁下端2040ｍｍ）だったのに対し、機能空間の天井高は5200mm程度。高さ方向と東西方向に極端に細長い空間の北側には、FRPの折板で全面が採光面となっているため、明るい。平入平屋の隣地の切妻側面が透けて見える。この機能空間の東立面も同様に採光のためFRP折板が嵌められた。従って、このカフェスペースは、半外部のように明るく、高く伸びる列柱の効果もあり実際よりも天井が高く感じられる。
カフェスペースの真ん中のトイレ空間を土台にする形で始る階段を昇ると、幅1275mmの側廊の真上の中二階に出る。この中二階に東側に洗面、風呂スペースが当てられ、風呂は浴槽と洗い場を縦に配置する細長い空間となった。カフェスペースの吹き抜けを横目に、この中二階を昇ると上階の居住スペースが待つ。居住スペースは機能空間の真上にきているので、幅は2550mmで、道路側からキッチン、居間、トイレ、寝室の順に配された。
以上が機能配置である。

ただ、この建築の特徴は、あくまでも構造形式である。これまでの木村松本の作品を概観すると、木造が多いが、一般的な在来ではなく、鉄骨梁の混構造(Nの住宅地の住宅)としたり、木造軸組で構造コアをつくる二階建て(House T)など、ピン接合の独特の粘りを意識した設計が多い。このhouse A/shop Bでは、それに剛接合を加えている点で新たなチャレンジとみえる。

まず、基礎に立ち上がりがなくフラットにみえるが、地中で側廊平面の下部が、機能空間平面よりも1m近く深く基礎が打たれているので、基礎の踏ん張りは側廊側に任せている。
そして、平面形が300mm×120mmの最も太い柱の列柱が、このフラットな基礎の上に並べられた金物の上から、一本一本生えている。布基礎も土台もなく、純粋に点で上屋と基礎が接合し、側廊と機能空間の境界となる軸線上に、に列ぶ。この柱が上に伸びていき、途中で側廊側に梁が飛び出す。この梁は、柱との接合が金物でがっちり固められた片持ちラーメンになっているため、中二階の床を支えるとともに短辺方向の水平荷重を確保する。そして、さらに伸びていき、上階の床を支えるタイミングでブレースを含む梁せい900程度のトラス梁が逆側に飛び出す。一本の柱と高さを違え左右に飛び出た剛接合に近い片持ちラーメンのユニットが、850mm、1700mm、850mmのピッチで反復し、主構造を形成しているということだ。この形式は、もし仮に、北側の敷地にまったく同じフレームが線対称に配された場合、サンタマリアノヴェッラのようなバシリカ様式のファサードをつくる。屋根の流れもその右半分をつくろうとしているように見えてくる。この軸組は構造として成立しているので、構造に参加する面材はほぼない(一部は構造壁)。従って、外装ラインを含め、仕上げ材の選択の自由度は格段に上げられている。ちなみに設備配管はほぼ全てが外装ラインの外に投げ出されているので、一切目に入らず、主構造の現しを邪魔しない。

また、もう一つの特徴が金物である。面材の仕上げはほぼ工業製品でラワン合板やFRP折板など簡素であるが、ドアノブや照明、キッチン造作など、金物造作を仕事にする施主が制作したり、あるいは海外から輸入されたものが多く、空間にバリエーション豊かな印象を与えている。服は無印、アクセサリーは高級品か一点ものみたいな感じだろうか。且つ、構造の大きな特徴でもある接合金物もこのアクセサリーと並び空間を作る要素として積極的に参加している。玄関扉の特注の引き手金物の仕上げは、木造ラーメン金物と基礎部の金物のメッキと同じ有色クロメート処理で、金属の相対化を図っている。こうして主構造と金物造作が連動する。
機能もまた、この主構造を基準として、事後的に決められたかのようにみえる。東西に長細く変形した風呂がそれを物語る。

このように、仕上げ、接合部、構造材、外装材、基礎、設備、機能が、主構造を基準線として、秩序立てられているようにみえる。

そしてこの主構造は何を基準に決められているかというと、主に周辺環境の読み解きからであるようだ。住宅地がマンションに変わることは有り得るが、マンションが住宅に変わることは今後ないだろう、という時間尺度を南側と北側に当てはめた時に、北側は変化の余地があるものの、南側は今後30年はマンションであり続けるだろう、その時、どちらかに屋根を傾け、どちらかに開くのかと問いが生まれるが、そこで木村が信頼したのは変わり得る北側だったようだ。従って南傾斜のバシリカ様式ファサードの半分となった。という思考のプロセスで、この主構造が決められた。

ただ、周辺環境→主構造→機能→仕上げという順序で単線的に決定が積み上がったわけではなく、三年という長い設計期間を経て、それらの条件がより複雑に関係づいた結果としての主構造であるという側面を木村松本の設計態度に感じることができるので、上記はあくまでも補助線として理解されたい。

以上が、この建築の概要である。

さて、一般的に、特にモダニズム以降の建築家というのは、コンセプトというものがあったとして、それを建築で体現していく過程での幾つもの判断において、そのコンセプトを補強するような操作を、ディテールや仕上げや設備の通し方や断熱ラインの設定や、機能配置といった、すべての場面において、合理的に説明がつく仕方で、コンセプトをその判断基準に置く。例えば、白い箱をそっと地面に置いたように見せるのがコンセプトだとすると、基礎の立ち上がりは隠すように判断するし、外装の出隅はなるべくシンプルに角を際立たせる。それがコンセプトの表現の方法である。

しかし、このhouse A / shop Bからは、構造というかモノがありのままで同時に秩序だってそこにあるという事実以外に、何をコンセプトとしたのかが掴みづらい。出来上がった空間だけをみていると幾重にも深読みさせられるのはそのためだ。敷地形状から最大化して内部空間を確保するために配置計画はほぼ決まっていたし、プログラムも下層がカフェ兼仕事場、上層が住居という構成も自然だ。構造家・満田衛資氏と協同した木村松本が意識する構造形式も一般的な解法ではないものの、ある種の合理性によって、確かに成立している。南側のマンションを時間軸的に変わらないものとして、北側に開くことを決めた周辺に対する読み込みとその反応や、木造三階建ての多い周辺に対して少し低く抑えた階高と片流れの屋根の存在感も理解できる。施主のスキルを最大限駆使した金物造作のリッチネスも、わざと空間全体を体感させる階段の回し方も腑に落ちる。真壁納まりの間に差し込まれた窓の上下の腰壁、垂れ壁の仕上げを窓枠負け、化粧ベニヤ勝ちとした判断も、窓枠という部材概念に向き合った結果として意匠的には理解できてしまう。しかし、それらはあまりに自然に理解できるので、コンセプトとは言えない気がしてしまう。かといって、(ここがポイントである)コンセプトがみえないように操作を打ち消していく青木淳的なニュートラリティをコンセプトにした跡がみえるかというと、そこまで厳密に各々の操作を対象化していないようだ。
木村松本の建築は、Nの住宅地の住宅を訪れた時にも感じたことだが、あまりに当たり前に理解出来ることを尋常ならざる忍耐で積み重ねていった結果、特殊性に到達していることが、未だに大変不思議なのだ。一体何が彼らのエンジンなのだろうか。

僕は、彼らが信頼しているのは、合理性がもたらす秩序だと思う。あるいは、その秩序がもたらす自律性と言っても良い。説明可能な合理性によって生み出された狭義の意味でのモダニズムの建築は、その教条主義的な態度によって、例えばキッチンでは料理をしなさい、寝室では寝なさい、学校では学びなさい、病院では治療されなさい、といったように、使い手の振る舞いを積極的に限定したことによって、その限界を自らの建築で示したが、木村松本の合理性は明らかにそのような押しつけがましさを回避している。その回避の方向性はほとんどすべての日本の現代建築家がその影響下にある青木淳の原っぱ性と言い換えてもいいが、全く同じではない。青木淳との違いは、青木が説明可能な合理の操作を打ち消すことでその押しつけがましさを回避するのに対して、説明可能な合理の操作自体の自律性によって、回避している点にあると言える。その説明可能な判断への信頼が、必要以上に大量に、広範囲に、使い手がその合理を忘れるほどにその空間に沁み渡ることによって、解釈の自由をもたらす建築の自律性が逆説的に浮かび上がっているのではないか。構造形式や空間の自律性というよりも、(説明可能な)判断の自律性を相手にしているように私には思えるのだ。

木村松本の建築が特殊であるのは、単に合理的な判断の積み重ねによって達成されているわけではない。設計時の合理的な(普通な)判断の自律性によって、立ち上がる空間の自律性を確保するという、至極真っ当な、同時にあまりに当然で意識されにくい設計態度から導き出されているのだ。
原っぱの話を持ち出すまでもなく、高度経済成長に建てられた(機能主義的に設計された)小学校や団地が現代において違う使われ方で生き返るように、いかなる判断であれ、判断が積上げられて立ち上がった建築は、設計者の意図を離れて、自律してしまう。だから空間の自律性を目指すのは「普通」なのだ。その事実を確かに受け入れた上で、木村松本が目指す「特殊」は、(空間以前の)設計の自律性に依拠しているのだと思う。

木村は、美しい実寸の詳細図を自らの手で描く。
設計図書は常に赤描きで更新され続けている。
それは彼が、自分の判断の自律性を、懸命に確かめている証拠だ。
だから木村松本の建築を、僕は信頼する。

嘘がないと分かるからである。

滋賀県立大学卒業制作講評会2016

集団インフルエンザにかかりまして、先週の滋賀県立大学卒業制作講評会から今日までひたすら寝込んでおりました、感想をアップするのが遅れてしまいましたが、忘れないうちにまとめておきます。

滋賀県立大学という大学は、1995年に設置された新しい大学で、建築系は環境科学部環境建築デザイン学科に属する。初期の学科長を務めたのはマスタープランと大学内のいくつかの建物の設計を手がけた内井昭蔵、その後布野修司が跡を引き継ぎ、その精神は、陶器浩一、芦沢竜一、川井操らによって引き継がれているが、布野が去った今は、ちょうど過渡期といえる。琵琶湖のほとり、新しく広いキャンパス、竹のモックアップが学生の自由な精神を刺激する。設計課題以外にも、ヴォーリズで有名な豊郷町での空家プロジェクト、東南アジアでのワークショップ、竹の会所に代表される被災地での建築プロジェクト、窯業の町信楽でのまちづくりなど、大学外での実践教育も充実している。また50回を超える学生主体のレクチャーイベントDANWASHITSUでは全国から有数の建築家を招き、公園を文字に起こし、書籍にまとめる自発的なプログラムも続いている。適度にメディアから距離があり、自分たちでメディアを持っていて、自由で、建築を学ぶには素晴らしい環境であるように思う。

そんな環境で学んだ29名の卒業制作の講評会である。都市部での提案よりも地方都市での提案が多く、所謂社会派全盛を印象づけるような作品群であった。全体的に、布野(石山)的、陶器的な、白くない、むしろ茶色い模型が目立つ。

タイプとしては社会派(客観性重視、リノベ、まちづくり)、実感派(主観性重視、1/1制作、詩的)、素材派(建築物重視、水平垂直以外の形態)の三つに分類されたように思う。

最終3案に残ったのは、社会派代表の川井案(和歌山商店街解像度高いリノベ群)、実感派代表の中村案(琵琶湖沖島での島の環境にインスピレーションを受けた素材装置(強いて言うなら観光施設)を点在)、形態派代表の石見案(淡路島の採土場跡に土の集落を提案)の三案で、結果的にすべて女子。男子の代表は、三陸の田の浦に自らが大工見習いとして地元に住むための家を提案した横木案と、軽トラを改造して土地に縛られない生活を目指す兼田案。ともに実感派として認識され得るが、その提案の持つ射程距離において前三者に劣ったか。社会派的な作品の中では、持続可能なニュータウンや団地の再生を唱う提案にも関わらず、全く同じ枠組みでスクラップアンドビルドをしてもう一度形態が変化しただけのニュータウンや団地を再現する提案も見受けられ、客観的な効果と主観的な操作のアンバランスさが感じられた。

最終3案の選考過程は、19名の審査委員による3回の投票。一回目は3票持ち29から6案。二回目は2票持ち6案から3案。三回目は一票持ち3案から一案。結果中村案、石見案、川井案という順位に。

建築教育において、好き嫌いで建築を評価してはいけないというのは筆者がY-GSAで学んだ重要なフィロソフィーの一つだが、それでも滲みでてくるのが個人の好き嫌いというもので、地元がとても好きな川井と土という素材にフェティッシュを見出す石見に対して、中村は何が好きなのかどこまでもよくわからなかった。沖島を特別好きでもなく、建築をつくらなくてもいいと思ったと言う。詩的なインスタレーションとして「建築ではない」と断罪することも可能な危うい提案だったことは間違いない。

講評ではまず、「クライアントがいる構築物」ということが一つの条件であるという筆者の建築の定義を中村にぶつけた。中村の回答は、沖島にいる住民や観光にきて共感してくれる人、という、非常にナイーブなものであった。それでも中村は自分の提案を建築だと譲らなかった。ここで、誰の為につくるのかよくわからない中でそれでも残ったわびしい模型群から、あえて社会的な表現を探すのであれば、縮退時代の新しい空間観である。筆者もこれは果して建築と呼べるのかと悩んだ末、中村案に投票した。いずれにせよ、建築をつくらなくてもいいという中村の感性はきっと時代(というにはあまりに新しく短いタームであるが)の空気を掴んでいるだろうし、その弱々しい空気に対して力づくで建築に向き合わせた芦沢竜一の指導によるところも大きいだろう。一度建築をつくる行為自体を疑うことは、建築家により冷静な判断をもたらすはずだ。

筆者が学生に期待することは正しさではなく新しさである。確かに、川井の地元愛は社会的な正しさへ、石見の素材愛は建築的な正しさへ接続され、その正しさによって評価が集まったといえる。しかし正しさを目指すなら社会に出てからでも遅くない。一方で難しいのは本当に新しいものは自分の範疇を超えた価値を持っていることである。つまり既存の価値観で評価出来ない「部分(すべてではない)」があって始めて新しさが成立する。審査する側には、説明責任がある。しかし、その作品が何故新しいのかを説明することは相対的な説明としては可能なのだが、その新しさにどのような社会的価値があるのかを説明するのは非常に難しい。既存の価値観で評価出来ない部分があるから新しいのである。少なくとも私は中村案の「新しさ」を評価したつもりであるし、講評でもその新しさの意義を悶々としながら説明したつもりだ。改めて、固められた正しさではなく、まだどうとでも動きうる瑞々しい価値観を評価したいし、それこそを学生にも目指してほしいと感じたのであった。

少子高齢化がデフォルトで生まれてきた、その「少」ない方を担う若い世代が抱える不安は大きいはずだ。シュウカツをしながら卒制にむかった人もいると聞いた。課題をみていてもどのような新しさを目指すかという価値観の呈示よりも、どのように評価され得るか、承認され得るかという他者依存の性格が目立つ。しかし、価値観の呈示というのは、本質的には他者に左右されない。建築の評価は他者によって可能だが、価値観の呈示に対して他者は否認することが難しい。
建築の新しさは、新しい価値観とセットになって現れるはずである。私は、あなたたちが感じている不安をそのまま作品にすることが、翻って豊かな価値観の呈示につながるという反転があると思うのである。にぎやかな添景を避けた中村案はその可能性を秘めていたといって良い。従って、新しさを目指すことに不安を感じる必要は絶対にないのである。その新しさによって、建築の定義に揺さぶりをかけることを、期待したい。同時に、講評する側は、正しさの評価だけではなくて、新しさへの希望こそを目指すべきだと私は思う。

そうでなければ、のしかかるえも言われぬ不安で、これからの建築が押しつぶされると思う。そのプレッシャーから芽が出るのがスター建築家だというのは、いささか少数の意見が過ぎるだろうし、プレッシャーと上手くつき合いながらリノベまちづくりしかやれなくなるのもゴールが手前に見えてしまう。建てない建築家っていう言葉が矛盾なく了解される時代である。

La Biennale di Venezia the 15th International Architecture Exhibition 公式声明邦訳文

※この文章は筆者による個人見解の邦訳であり、公式な邦訳ではありません。閲覧者の自己責任で解釈してください。

＜La Biennale di Venezia / Curator of the 15th International Architecture Exhibition : Arejandro Aravenaによる声明＞

勝利する必要のあるいくつかの戦いが、拡張されるべきいくつかの前線が、つくられる環境の質(即ち生活の豊かさ)を改善する為に、繰り広げられています。この惑星に住むより多くの人々がよりきちんとした居住を探していて、それを達成する条件は日々刻々と厳しいものになっています。様々な試みが、経済を超えて、現実の慣習に対する抵抗や、明らかな問題に挑む努力が日常的に存在する中で、世界の複雑さに打ち勝つべくなされています。

戦争は誰も勝者を生みませんが、環境をつくる前線は活力に満ちあふれています。なぜなら建築は提案の鍵を現実において握っているからです。

これらの成功は伝えられるべき価値があります。典型的な事例として何を建築がしてきたかを共有されるべきです。そしてそれはそのような前線が広がり続ける戦いの勝利との違いを生み出すでしょう。

REPORTING FROM THE FRONTというテーマは、多くの聴衆へ向けられています。利益至上主義に仕事をする傍ら、生活の質を改善し、タフな環境化で、挑戦に直面しているようなことです。あるいは、新しい領域を広げることかもしれません。

私達は建築から学びたい。失うことに不満を漏らすのではなく、何が劇的に有効かを。私達は、共有の価値を超えて受容される個人的な利益の特権の力を何が覆すかに、どんなデザインの道具が求められているかを理解していきたい。過度な単純化、還元主義に対抗する術を知りたい。あるいは人間の条件を貫通する建築の使命を諦めたくはありません。建築がいかに新たな価値を生み出せるかに興味を持っています。均質に向う近道としての建築や、余剰の価値のための建築に代わる価値です。

私達は、このテーマを、受動的な目撃者の記録にするのではなく、彼らの言葉を実際に歩む人々の証言としたい。過酷さと希望のバランスをみたいのです。このより良い環境の構築のための戦いは、怒りでも、ロマンチックな十字軍でもありません。単なる誹謗でもなければ、不満でもなく、直感的なロッカールームでの与太話でもありません。

私達は、小さな勝利だとしてもそれに向うリスクをとるための創造性がどのような実践において発揮されてきたかをお見せするつもりです。何故なら、問題が大きな場合、1ミリの改善でもそれに関連しているからです。求められているのは、成功概念の調整です。何故なら前線での達成は相対的なものであり、絶対的なものではないからです。

私達はこのより良い環境の構築のための戦いが、皆の知識と力を要する集合的な努力であると強く認識しています。それが我々がこのビエンナーレを包括的で、話や考え、様々な背景から成り立つ経験をよく聞くものにしたい理由です。様々な背景とは、建築家や、市民社会、リーダー、各国のパビリオンといったものです。

従って、この国際建築展は、知性と直観のバランスによって、現状を脱出することを、建築から学び、注目するものになります。私達はその困難にもかかわらず(あるいはその困難こそによって)、諦めや苦しみに囚われずに、何かを提案する事例を紹介します。環境をつくることの質についての飽くなき議論を紹介します。必要性だけではなく、アクションのための部屋を用意します。

Arejandro Aravena



＜La Biennale di Venezia /President : Paolo Barattaの声明＞

この数年、私たちは私達の時代の象徴は市民社会と建築のミスマッチにあると言い続けています。
一方、建築は、スペクタクルな建物や、クライアントの野心と力を反映する祝祭を生産することに夢中になっています。あるいは、社会は建築に疑問を投げかけることを避け、無関心でいます。
麻痺に慣れることに対抗するスタンスとして、この数年のヴィエンナーレ建築展では、このような状況から生まれる疑問に声を与えています。

私達は私達のこのようなコミットメントを、建築の願望を生かし続けるために、加えます。
建築は公共的な希望と要求と、私的な希望と要求が出会う芸術なのです。

私的な空間をつくることを助ける建築は、同時に公共的な空間もまたつくりだします。この二つの空間は同時に生み出されます。意識的にパブリックスペースを楽しめることは、皆に開かれた良さです。社会の一員によるこの歓びは同様のことを行なう能力をもった他者の限界を示すものではありません。これは公共価値のエッセンスともいえるのです。

自由な公共空間というコンセプトを辞め、単なる量に還元された居住性能のアセスメントに置き換えることは、社会を貧困にしてしまいます。これは終わりなき、人間が貧困化する前兆を示しています。これは、私達が私達自身を、私的な領域のありふれた安息、極端な防犯への欲求の中に閉じ込めた時に起こる事態です。

公共価値は、仮に一方に明らかな需要があり、一方にはその要求を運ぶ能力がある時に、発生します。しかし、要求を生み出すことと次に出会うことの両方は、公共性と私性の両方の短所によって阻まれてしまいます。需要と供給の活発な交差点ではなく、対立の戦場を導く状況です。

巻き込まれるための拒否は、危険な道へ私達を導くリスクを増加させます。争乱に留まることは、もはや尋ねるべき疑問を知ることもなく、違う解決策を見出すこともできない方向に導きます。あるいは実現不可能な提案のためのフラストレーションを抱える嵌めになる。

これは我々が何故2008年のAaron Bestskyによる"Architecture Beyond Building"に始まり、2010年の妹島和世は"People Meet in Architecture"がコミュニティによって住むための場所としての建築を考え、David Chipperfieldは2012年にCommon Groundというテーマで建築はもはや存在せず、建築家だけが彼らの創造的な努力の中で包まれているという声明を出しました。続く2014年"Fundamentals"においては、Rem Koolhaasは今日の建築を構成する要素を調査しました。
そして今回、Alejandro Aravenaは私達を戦場へ連れ出します。もし私達がより明瞭な問い(解決策をアイデンティファイするような)を生み出すことを努めるなら、建築は本当に違いを生み出すことができるということを示してくれるでしょう。

Paolo Baratta


[翻訳元原文URL]
http://www.labiennale.org/en/architecture/exhibition/15iae.html

都市に建築家を埋蔵する-新国立競技場・九州・百枝優-

新国立競技場と日本人の観念、匿名性
コンペ要項が発表された瞬間から、その高すぎる敷居への指摘に始まり、新国立競技場の建設を取り巻く批判は現在まで後を絶たない。
ザハ案が一等を獲得してからも、槇文彦が指摘する神宮周辺環境への景観と要求されるプログラムのアンバランスさ、解体工事ですらずれ込んだ入札、周辺地区の再開発を前提にしたとみられる高さ制限の緩和、安保法案に対する報道牽制、キールアーチのみに矮小化された見積もり高騰への批判、不確かなネット意見の拡散と炎上、など、建築界に関係するものであれば耳が痛くなるような話題が続いていた。その上で、政府は白紙撤回を決定し、Zaha Hadid Architects(以下ZHA)は、それらすべての批判へも、JOCへも、政府へも、そもそものコンペ要項すらへも真摯に答える、緻密で、丁寧で、美しいレポートと動画という形で声明を出し、その上さらに、再コンペへの再参加も表明した。専門家として、建築家として、圧倒的に正しく、とてもかっこ良かった。もしこのZHAの説明のタイミングが遅いという意見があったとしても、白紙撤回されるという事実確認をした上での声明であるなら、必要かどうか判断しかねる説明をするくらいであれば限りなく設計実務に時間を費やす方が、プロフェッションとして当然の振る舞いといえるであろう。当然、専門家という立場であれば、ZHAの振る舞いを批判する者はほぼいないであろうし、マスコミの報道もザハはそんなにおかしなことを言っているわけではないというところまで、理解を示しはじめたという声も聞く。

ただ、白紙撤回は覆されない。

もちろん、ザハが再び一等をとる可能性はある。だが、政府がふわふわした世論に押されて白紙撤回した自らの決定をもう一度覆してZHA(ZHAのレポートは圧倒的な論理的、技術的、意匠的説得力があったのは事実だが)を選ばせる度胸と自省心があるとすれば、の話である。ちなみに僕は、違う日本人が勝つのではないかと考えている。
しかし、いずれにせよ、コンペ要項自体が変わっているのだし、当初のザハ案からは変更を余儀なくされるであろう。同時に、当初のザハ案が持っていた動線計画や構造形式への説得力も、新案のどこかしらに尊重されていくはずである。同様に、槇文彦の景観への指摘や、ネット上の空気、首相の意向、元々の審査委員長である安藤忠雄の日本を元気にしたいという情熱、広告会社の戦略、それらすべての意見が折り重なり合って、どうにかこうにか、玉虫色の競技場が最終的に形を現すのではなかろうか。そうして、その建築の形こそを、国民は国民的建築として認識していくに違いない。

もし仮に、これらの想定が現実に起こったとすれば、責任の所在が曖昧で、たらい回し(悪いのは、設計事務所か、ゼネコンか、審査委員会か、審査委員長か、政府か、JOCか、東京都か、マスコミか、というような)の状況は加速し、国際社会からは建築家を尊重しない国として批判されるであろう。しかし、そうなる可能性が高いと僕は思う。というか、既に現実は、ほぼそうなりかけている。

私達は、こうした状況を嘆くことしかできないのであろうか。少なくとも僕は、そうは思わない。

そもそも、である。そもそも日本の大衆がその建築形状を思い浮かべられる国民的な建築には何が挙げられるだろう。仮に、自分のおかんでも分かるものだとして、思いつくのは、東京タワー、旧国立競技場、国会議事堂、フジテレビ新社屋、東京都庁、あとは清水寺、金閣寺などの寺社建築の名所くらいである。この中で、建築家が設計に携わっているのは晩年の丹下健三くらいで、しかもおかんはきっとそれらを同一人物の建築家が設計したことを知らない。建築業界的には丹下健三の代表作であるピースセンター、香川県庁舎、国立代々木第一体育館に至っては形も知らないだろう。建築家や、個人の名は国民的建築には刻まれていない。国会議事堂に至っては、コンペにも関わらず選ばれたのは建築家ではなく、官僚であるし、そのコンペ案を揉んだのも官僚であり、設計者に関しては匿名的な建築物なのである。国会議事堂のコンペ時も今回の新国立競技場同様揉めに揉めた。そもそもはドイツ人建築家のエンデとベックマンによる日比谷一体の官庁街計画の中に位置づけられた計画だった上に、その計画は見積もりオーバーで頓挫し、結局公募となったのだった。個人の責任が前面に押し出される状況自体が、八百万の神の国の日本人の観念や空気を読むことを良しとする国民性に合っていないのではないかと僕は思う。いろいろな人の意見を汲んで、できるだけ責任を曖昧にして、誰が設計したのかよくわからない状況。そういう意味では大工の歴史は、職人の師弟関係ではあるものの、建築物にその名が刻まれ周知されることは少ない。あるいは、どこまでいっても、日本における建築家は明治維新後から大工の国に輸入された存在で、1000年以上の歴史を持つ大工と比較すれば、日本における建築家の歴史としてはわずか150年であり、建築学生が受ける建築教育もその根本的な部分は西洋の歴史から連続する。あくまでも日本における「建築」の歴史はジョサイア・コンドルから始るのが僕の知る日本建築史の教育だ。

そうであるなら、日本において建築に携わるのであれば、こうした責任の所在や署名が曖昧になる日本特有の建築の状況を差異として捉え、建築のためのコンテクストとして前向きに昇華させるべきではないだろうか。少なくとも、ヨーロッパは建築家やデザイナーへのリスペクトがあっていいねと羨望の眼差しを送る必要性はどこにもなく、日本固有の建築の存在の仕方を意識すべきではないだろうか。

(昨今のヴェニスビエンナーレやプリツカー賞にみられるように、世界における現代日本人建築家の評価は事実高いが、そんなことは日本の大衆には関係ない。今やSANAAよりもザハの名前の方が有名だろう。)

ただ僕は、建築設計における専門家の存在を否定しているわけではないし、例え150年の歴史しかなかったとしても(150年でこれほど発達を遂げた建築文化もまた世界で稀であろう)建築家の追求してきた空間の強度の作り方や、都市への態度、形式性、構造的なチャレンジを否定する気はまったくない。当然、上記のような問題から日本における建築への理解が深まることは肯定的に捉えている。

しかし、建築に、設計者の名が残ることは、少なくとも日本においては、「良い建築」をつくることにおいてそれほど重要なのではないか、そうした事実を受け入れた上で建築をつくるためのコンテクストとして捉え、自らの表現に向うモチベーションにできないのだろうか、というのが、僕の意見である。

土木構築物文化がつくる九州の文脈
そうした日本における匿名性と建築/都市の関係を、遅めの夏休みを取り、九州を訪れ、そこで"土木"という言葉を通して強烈に意識させられた。

ナガハマデザインの板野純さんにご案内いただき、福岡から片道三時間、白水ダム/白水溜池堰堤と呼ばれる、ダムという響きにしては小さな土木構築物を訪れた。訪れるまでの山間地域の道中では、いくつもの鉄道の橋桁と橋脚が妙に良くデザインされているのが目にとまった。それにしても相当な山奥である。石積みで作られた美しい曲面を鱗のような水が張り付きながら流れる。流水量が緻密に計算され、設計されたという。「白水溜池堰堤」は、近隣へ農業用水を安定的に供給するために作られたダムである。高さ14m、横幅87m、貯水量60万トン。こんな山奥に、このような美しい土木構築物があり、まだ現役のダムとして稼働していることに感銘を受けた。その流水を眺めるのは、近世以降蓄積され続ける日本建築の智彗を体現する日本庭園、枯山水を観ているような感覚で、曲線を露わにしたまま動き続けるその鱗模様をいつまでもみていたかった。ダムという、建築物以上に環境をどうしたって変化させてしまう構築物に架せられた社会的な使命を設計者(大分県の技師、小野安吉、当時30代)は、圧倒的な美しさへ到達させた。およそ80年前の竣工である。石工で栄えた豊後地方において石垣の技術が蓄積されていたことや、第一次世界大戦と第二次世界大戦の間で公共事業投資の余裕があったことを差し引いても、ここまで人里離れた場所に、圧倒的な労力をかけてこの美しい現象を生み出した(作家ではないにせよ)設計者への敬意が溢れた。

白水溜池堰堤|撮影筆者

白水溜池堰堤|撮影筆者

土木に着目できた理由は、それだけではない、例えば、軍艦島に代表される産業遺構にしても、その時代の必要性に迫られて生まれた建造物がその建築的、社会的価値を再評価され始めているが、これらも設計者はわからないものが多い。また九州は、江戸以前から、他国との交易の前線になってきた場所である。古くは元寇に対抗するために築かれた太宰府の堤防が現在まで残り、高速道路や鉄道がその隙間を縫って走るほど、歴史と土木構築物との関係が色濃く残っている。また、現在の博多を考えてみても、空港、鉄道、都市高速、港、スタジアム、ビーチといった都市スケールのインフラが比較的コンパクトにまとまっており、土木スケールで都市を捉えた時に、その近接性が都市の特徴を一気に顕在化させる。
建築家に視点を移した時にも土木スケール、土木構築物は九州において興味深い視座を与えてくれる。代表的な九州出身(久留米)の建築家である菊竹請訓は、農地解放によって接収された土地に対するルサンチマンを建築言語に置き換え、人工地盤を追求した(スラブを浮かす、ということでいえば、徳雲寺納骨堂、久留米市民会館、スカイハウスに顕著)延長に、メタボリズムの運動体も捉えられる(カプセル/コアにおけるコアがその土木スケールの要素にあたる)かもしれない。

そして、逆説的であるが、長崎を訪れた際に絶望的な気持ちになったのだが、「建築」の解体危機である。特に近代建築。吉阪隆正設計の海星高校は既に解体工事が始っており、武基雄設計の長崎市公会堂は解体が決まっていて閉館していた後だった。

解体される海星高校|撮影筆者

しかし、白水ダムや近代産業遺産に代表される土木構築物はその設計者の署名の有無に関わらず、その構築性を維持しながら残され続けているという事実がある。

「建築」に携わりながら、例えばそのような九州のコンテクストを引き受けるためにはどうしたら良いだろうか。

都市とインテリアの架橋、建築の不在という建築
旅の道中、福岡・長崎を拠点に活動する建築家、百枝優に会った。彼は、その端緒を示しているように思われた。
九州大学芸術工学部にて土居義岳に師事しながら、若くしてその才能を建築界に知らしめていた彼は、コンペキラーなどと呼ばれ、幾度もアイデアコンペに勝っては周囲をざわつかせる存在だったが、その後進学したY-GSAでは、都市スケールでストーリーのリアリティや社会性が求められる課題に苦しんでいたように見えた。つまり、私の大学院時代の先輩に当たる。
そもそも、我々が建築を学んだ2000年代は、SDLに代表される卒業設計展やアイデアコンペが学生の間で隆盛を極め、皆こぞって"入選"を目指した時代だ。卒業設計もアイデアコンペも、フィクショナルなストーリーを前提に、建築をあたかも建ったかのように、建っても良いかのように、建ったら素晴らしいと思わせるために、「自らの考えを建築と社会に定着させるためのトレーニング」(北山恒)として教育されるべきだと今の僕は考えているが、当時の僕は、その考えにも、実現から遠いアイデアの質や構想力だけを問うその潮流にも、疑問を抱く学生だった。
百枝は、そのような状況の中で、アイデアコンペも勝ちまくっていたが、SDレビューという実施を前提にした審査会に二度入選していた。アイデアに留まらない説得力を、確かに持ち得ていた。

彼は、Y-GSAを卒業後、隈研吾建築都市設計事務所で3年間を過ごした後、故郷九州の福岡と長崎をベースに独立した。実施コンペでも幾度か辛酸を舐めているそうだ。若くして"アイデア"で名を売った彼の実作の建築的強度は、メディアや社会にまだ届いていないように思われたが、実際に作品を拝見した僕の目には、確かに連続する百枝の、建築に対する現在性が映った。そしてその現在性は、上記したような、匿名性を受け入れる日本人の観念と、九州の土木文化に通底する、都市のコンテクストを引き受けているように思われた。
それを記しておきたい。

SDレビュー2008で入選を果たした"長崎の家"は、故郷長崎での住宅プロジェクトである。特徴的なのは、傾斜に張り付く長崎の路地を彷彿とさせる、先に行くほど窄まる大階段である。彼はこの作品で、階段路地という、都市的で、土木的な要素に着目し、愚直なまでにその周辺環境を住宅の室内へ取り込んでいる。

長崎の家|図版提供:百枝優建築設計事務所

"papabubble"では、地下商店街という制限が多いコンテクストに対して、住宅風景のメタファーである切り妻屋根を巧みに挿入し、(虚構の)"空"というインテリアを超えた都市スケールを地下街に生み出すことに成功している。

papabubble|撮影筆者

現在、長崎市街地の眼鏡橋のほど近くの角地で現場が進行中である"spectacle bridge"は、より直接的に土木スケールをインテリアへ変換させる試みだ。チョコレートショップとカフェというプログラムが同一オーナーにより運営される変則的な与件に対して、百枝が出した回答は、目の前の"橋"と"川"を手がかりに空間を構成することだった。室内は現しにされる既存のRC梁からセットバックさせた垂れ壁が作る四つの(テラスを含めると6つ)空間から構成され、セットバックされたことで生まれる部屋と部屋の間の線上のスペースの床下を抜き、アーチ構造(まさに眼鏡橋!)の合板を橋脚として架け、その上に強化ガラスの床を、まるで川を流すかのように載せている。オーナーの地元企業はこの周辺一帯のまちづくりにも着手する意図があるとのことで、この橋と川のメタファーは、提案に対する理解を明らかに補強する。

spectacle bridge|図版提供:百枝優建築設計事務所



spectacle bridge|図版提供:百枝優建築設計事務所


眼鏡橋|図版提供:百枝優建築設計事務所

ここで、住宅に埋め込まれた坂も、地下街に見出された空も、店鋪施設にまでひきこまれた川と橋も、百枝の中では一貫した手法として理解されよう。つまり、土木的で匿名的な要素を、建築を飛び越え、インテリアに持ち込むことによって、その射程を都市へ広げているのである。同時に、そうしてつくられていく建築の振る舞いは、九州の産業遺構のように、誰が設計したのかを宙吊りにするだろう。宙吊りにされて尚、使い手やその前を通り過ぎる人々の日常にフィットするだろう。何故なら、彼の身体感覚が、匿名性を帯びる日本人の観念と、都市を相手にする射程と、九州における土木構築物への信頼を、受け入れているからである。少なくとも僕は、たとえ百枝優の名がその建築の使い手やメディアに残らずとも、日本で、九州で、建築をつくることを受け入れる建築家の倫理を受け取る彼と、その建築に、敬意を持っている。その上で、彼のような建築家の振る舞いがより深く、広く、理解されることを願う。

コンペキラーと呼ばれるほどアイデアの強度を持ち合わせていること、日本人を相手に建築をつくること、独立直後であること、改修を始めとしてインテリアの仕事が多いこと、九州で建築に携わること、長崎に生まれたこと、土居義岳の歴史観に触れたこと、Y-GSAと隈事務所という建築メディア/都市に近い建築の価値を体感したこと、そのすべてが百枝がつくる建築のコンテクストである。

1970年代、原広司は、"住居に都市を埋蔵する"と記し、磯崎新は"都市からの撤退"を宣言した。戦後復興、栄光の「丹下」の万博を経て、建築家の相手は、主に、住宅と抽象空間へ移っていく。
それから40年、激動のバブル経済(=消費の海)を経て、コミュニティデザインや建てない建築家、リノベーション、DIYの回路、エレメント、ネットワーク的視点、ソーシャル、シェアといった言葉にしばしば描写されるように、僕らが生きる時代の建築家の醸す雰囲気は、どうやら都市と、建築による全体性を諦めてはいない。建築家にとって、あるいは現代建築の歴史の中で、都市の時代といって過言ないだろう。

しかし、少なくとも日本においては、そもそも都市は、建築家が「都市に名を残して」、コントロールしたり、諦めたり、どうこうする対象ではないと僕は考える(建築家が都市に向う意志は、歴史的な前提だ)。建築家の名は都市に埋もれても、その建築が建築の歴史の中で紡がれた専門性に裏打ちされた圧倒的な「建築」の強度を有し、残り、受容され、その表現を誰かに伝え、影響を及ぼす回路を作ることができるなら、「建築家」こそが、匿名性を引き受け、都市に埋蔵されていく、その可能性を僕は信じている。

こうした僕の観念は、九州の地でその蓋然性を掴んだ。